Una latente zozobra recorre los andenes, las ventanas, las miradas y los ademanes de nuestro entorno. Sudamos frío y no sabemos si es por la temperatura o por las noticias. En medio de la angustia ensayamos improvisar una conversación, y tanto en lo que se dice como en lo que se calla encontramos una sensación común e inquietante: es como si el fin del mundo estuviera cerca. El fin de nuestros mundos, pequeños y grandes, de los nichos y del gran planeta con sus hábitos, sus placeres y sus refugios.

Entre tanto caos y movimiento errático—todo lo sólido parece chamuscarse y achicharrarse antes de desvanecerse en el aire.

Si el fin de este mundo parece inevitable, nos toca dedicarle pensamiento: empezar a imaginar cómo soportarlo, transitarlo y cómo adaptarnos para aquel otro mundo que quedará. Y ojalá hacerlo con ánimo y algo de ilusión.

Esta es la invitación que anima a la SERIE 3 de Podcast de Ondanza, con la que convocamos a la grabación de una banda sonora que ambiente, amenice, ilustre o que simplemente acompañe el duro transito por lo que podría pensarse como el fin de un mundo.

Durante los meses de Abril, Junio y Julio de 2025 estuvimos compartiendo los episodios de esta serie, que ha sido la más experimental hasta el momento, y la que más ha incorporado el componente narrativo. De la mano y la imaginación de las diversas y muy amables personas que correspondieron nuestra invitación, los episodios que componen esta serie brincan de manera impredecible entre la introspección, la incertidumbre, la angustia, la presciencia, el inconformismo y por momentos, la esperanza y la catarsis.

Así que afinen sus oídos, abran tiempo en sus calendarios y prepárense para transitar estos diversos finales sónicos sin afán y con empatía. Es probable que del final brote una nuevo impulso para la vida.

El fin del mundo (o de un mundo) es el centro de gravedad alrededor del cual orbitan las entradas de la SERIE 3 de podcasts de Ondanza. Y que enorme placer es poder darle inicio a esta temporada con el fascinante mixtape que nos compartieron las personas de Orquesta Drone Tropical: una inmersión profunda y viscosa entre drone, noise y atisbos punk.

“¡Sí tengo fiebre soy feliz, si tengo fiebre, sueño!”

El fin del mundo de ODT augura un flujo errático y paciente de atmósferas, es una quimera de horror cósmico, por veces etéreo, por veces abisal. Se distinguen gaitas que tinturan el aire sobre corrientes y afluentes de guitarras electrizantes y bombos profundos. Es como transitar un jazz que se desintegra en disonancias espesas sin sacrificar coherencia, con picos de intensidad febril que consiguen evocar una sensación asfixiante pero llena de vida, cercana a la esencia del punk.

Va a ser inevitable no sentir en el cuerpo la angustia, la zozobra y la rabia que devienen en movimiento, en impulso, en saltar al vacío o arrojarse de cabeza a un pogo espiritual a través del cual trascender en sonido crudo y puro.

El Último Campo de Batalla fue grabado en El Jardín del Duque durante el mes de Noviembre de 2027.

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Aquí, en un escenario espectral donde los ecos de luchas pasadas resuenan a través de los eones y en medio de las sombras de la historia, nuestros camaradas yacen petrificados en el malvado jardín del Duque: un macabroteatro de poder y malevolencia, adornado por la contaminación de las espinas de la tiranía y la mala hierba de la opresión. Atrapados en este arboreto impío, testigos silenciosos de la perversión, sus cuerpos permanecen congelados en la eterna lucha contra una fuerza insidiosa.

Sangra la fractura en el firmamento. Las luces quebradas en el cielo, como heridas infligidas a la esencia misma de la realidad, revelan la entropía celestial dónde el tiempo y el espacio se entremezclan en el caos ejecutor. Emergen las siniestras Tumbas-Drone, elevándose desde los valles desolados como antiguos monolitos de una era apocalíptica. Sus siluetas perforan el cielo, desafiantes contra la agitación cósmica. Las Tumbas-Drone evocan el horror cósmico de los mitos antiguos. Canales de la esencia misma del poder, conductos de energía incalculable, extraen los restos del caos cósmico en un encantamiento sónico, una melodía espectral que reverbera y presagia un nuevo orden sobre el paisaje calcinado. Esperan el momento de levantarse y hundirlo en la locura.

Oda al desmoronamiento de la realidad, desvaríos de las mentes de los no-seleccionados, permanecen persistentes como heraldos del miedo. Tejen sus historias en las subrutinas y se deleitan con el brillo efímero. Los operadores de las tumbas: duendes que encuentran consuelo en el zumbido de los procesadores como una canción de cuna electrónica que guía sus escapadas en el Drone Malvado.

Baladas resuenan a través de las cavernas electrónicas, narrando datos perdidos, intercambiando secretos y fantasías en el lenguaje infame. Fallos a portales de realidades alternativas. Cuando la máquina se desintegra, los duendes cabalgan sobre las olas, navegando por las fisuras hacia reinos desconocidos donde las leyes de la razón se doblegan a los caprichos de su fantasía. A medida que las corrientes surgen a través de las venas metálicas, se deleitan en un festín nocturno. Sus ojos luminosos reflejan los pérfidos prismas psicodélicos que elaboran, habitantes del crepúsculo eléctrico.

El Maldito Drone adornado con sigilos siniestros se retuerce a la espera de las almas que alimentarán su diabólico propósito. Las almas malditas aguardan su sombrío destino, mientras La Flota del Dragón se acerca inevitablemente. Las faucesmetálicas de la máquina se abren, revelando un vacío abisal que anhela la esencia de las trampas hechiceras. Los marineros malditos, con sus manos esqueléticas, depositan las almas cosechadas en el corazón del Drone. Ahora imbuido de la esencia de las almas brujas, asciende hacia la nueva estrella, atormentado por los ecos de la cosecha espantosa de la noche

Como segunda entrega inspirada en el Fin del Mundo, tenemos una ofrenda sonora original y paciente de la mano de Fau, una ofrenda vertida con cuidado sobre la tierra para invocar un final tranquilo, porque cuando se acabe el mundo no tiene que haber un estruendo ni tienen que galopar hambrientas las llamas sobre los pueblos. El fin puede llegar en un suspiro, y recibirse con sosiego en su vacuidad. Ahora inefable, ese mundo ya no exige aprehensión, concepción ni pronunciación.

Con esta hermosa pieza en dos partes, Fau nos transporta con ligereza hacia la inmovilidad, nos eleva y señalando hacia abajo nos invita a mirar cómo se adormecen todas las cosas. El fin no nos encuentra desorientados por el pánico sino en estado de alerta, con los ojos abiertos y atentos al minutero que late cada vez más fuerte, más rápido, hasta que el tiempo protesta y se ralentiza. Y entonces viene ese instante que se dilata, justo antes del mundo detenerse, en el que el aire también calla para dejarnos oír el resonar del suelo con la cadencia de nuestra propia respiración asfixiada. Por último llega el silencio, que termina por ceder ante el presagio de un nuevo mundo. 

Con Extinción, Fau nos presagia y nos induce un último trance dulce y sereno antes del silencio definitivo.

Extinción fue grabado en Bogotá y Boyacá, entre Ramiriquí y Jenesano.

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Extinción es una pieza de dos partes. La primera se llama Extinción y está hecha con una melodía que me inventé sobre el sample de una canción de la artista mexicana Cinthya Morado que se llama “La extinción del sol”. Esta trata sobre una noche en la que ella estaba con su hijo frente a una fogata y él habla de que la humanidad podría morir si el sol se extingue. A ella le dio miedo ese pensamiento, pero también le dio amor escuchar a su hijo hablar. Es una canción que me gusta mucho y sentí pertinente porque nos retrata reflexiones y emociones alrededor del fin y de nuestra manera humana de entender algún final. Si la humanidad se acaba, el mundo se acaba, pues no puede ser nombrado.

La canción me hace pensar en esto, pero también en lo que implica ser parte de una secuencia generacional de muchos años y sentir que las generaciones venideras no serán ya tantas, estamos cerca al final. Usé dos samples más. Uno de una canción de Björk que se llama “Black Lake” que habla del fin de su familia, y otro de una canción que hicieron A.G. Cook y Ö que se llama “AFK” que me parece una canción caótica y celestial y una interpretación de lo sublime, algo que yo asocio mucho al fin del mundo. Esto también me recuerda esa idea de que la humanidad contempla estéticamente su propio fin. El resto de sonidos de esa primera parte me los inventé.

La segunda parte se llama Cuchillo. La hicimos entre tres amigos: Laura, Jorge y Fau. Usamos un controlador midi de Playtronica que se llama Playtron y que permite mapear sonidos en objetos conductores distintos a través de un programa como Ableton. Nosotros usamos cuchillos y verduras y nuestras propias pieles como objetos conductores e improvisamos. Resultó siendo una pieza muy experimental y bonita.

Algo que me gustaría decir para esta pieza es que en la Biblia, en el libro del Apocalípsis que es sobre el fin del mundo, lo que leemos es una visión que le manda Dios a Juan, pero no es algo que esté pasando en verdad. Es una especie de trance. Juan habla en primera persona y todo el tiempo se refiere a las cosas que ve y escucha en esa visión: las trompetas, las voces, los estruendos... ahora que yo pude escoger los sonidos del final del mundo, regalo los sonidos electrónicos a esa visión. Todos tenemos nuestra propia visión del final, pero seguro el Apocalípsis es un referente común. Al final seguramente solo hay silencio; las cosas dejan de sonar.

Samples: 

1. “La extinción del sol”, Cinthya Morado. Álbum: Diminuta (2020). Es una artista independiente y no tiene sello. 

2. “Black Lake”, Björk. Álbum: Vulnicura (2015). Sello: One Little Independent Records 

3. “AFK”, A.G. Cook y Ö. Single (2022). Sello: PC Music

Para el tercer episodio sobre el fin del mundo, e inspirado por una etnografía del hongo Matsutake, este íntimo mixtape de Ritornelo nos envuelve como un arrullo cariñoso y ligero que lentamente va encapsulando nuestra atención para apuntarla hacia un panorama de memorias orgánicas y culturales. Un panorama en cuyos ecos y reverberaciones distinguimos un llamado unívoco: a no dejarnos tumbar por la adversidad.

Su mixtape nos adentra en la red que existe entre todas las cosas, y nos permite conocer un ritmo en el cual cualquier final exige la reconfiguración intricada de otro mundo posible. Es en esta misma red de interdependencia donde dormita el optimismo, como dice Ritornelo: “aunque el panorama parezca desolador, hay que hacer las paces con la entropía y florecer de las ruinas”. Habiéndonos dejado llevar en este flujo de ambient y downtempo, descubrimos nuestra resiliencia en un paisaje introspectivo tejido por manos hábiles y pacientes.

“Convivir en las Ruinas” fue grabado en Bogotá, el Lunes 14 de Abril a las 11.10 pm.

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De alguna manera, todos los días son como el fin del mundo. Mantener la estabilidad en sus múltiples dimensiones y lograr bienestar no son tareas sencillas. Constantemente se pone a prueba lo adquirido, aprendido y soñado. Y aún así, aunque el panorama parezca desolador, hay que hacer las paces con la entropía y florecer de las ruinas. Crear territorios y comunidades a partir del desorden que está alrededor.

Es grato participar en esta entrega de Ondanza por dos razones:

1) La conexión entre mi interpretación del fin del (los) mundo(s), con mi nombre artístico de Ritornelo (un concepto muy bello de Deleuze y Guattari). Esta conexión me ha permitido comprender los cambios indeseados y la aparente decadencia de una forma más llevadera y hasta provechosa. Además, se conecta con uno de los trabajos antropológicos más inspiradores que he leído, The Mushroom at the End of the World de Anna Tsing, una etnografía sobre el matsutake, las comunidades que lo recolectan y el mercado en el que se vende.

El matsutake es un hongo muy codiciado que crece únicamente en bosques previamente deforestados y alterados, donde pareciera que la vida no puede volver a surgir. A pesar de eso, el matsutake se abre paso y devuelve fertilidad en el suelo para que crezcan nuevamente árboles. Quienes recolectan el matsutake son principalmente migrantes precarizados que venden el hongo en una economía informal y hacen de este su modo de subsistencia.

A grandes rasgos, el caso del matsutake nos lleva a pensar en las alternativas de habitar el planeta mediante una “interdependencia multiespecie”, quizás en aras de salir del sistema hegemónico que nos condiciona al hacernos creer que la única vía aceptable es el progreso capitalista—lo cual al final, es la causa de nuestra sensación de fin del mundo.

2) En el set seleccioné y mezclé temas de ambient y downtempo que han sido catárticos para mí en diferentes momentos de mi vida. Son 30 piezas contemplativas a las que he regresado múltiples veces cuando las necesito, y las cuales me han facilitado comprender los cambios. Creo que este es el set más íntimo que he grabado por el significado de cada uno de los temas. Algunos se remontan a tiempos de adolescencia, otros a apenas hace unas semanas. Son fragmentos de pocos segundos que condensan la esencia de canciones mucho más largas, o temas en su duración completa. Puede ser una mezcla apropiada para una tarde a solas, con disposición de sentir y reflexionar a partir de un diálogo interno y del autoconocimiento.

Dedicado a quienes quiero. Deseo que podamos experimentar en conjunto una vida más llevadera.

En el cuarto episodio de esta serie, Hipomantis nos enfrenta a un final tórrido en la Frontera Sabanera donde—en medio de fango y sudor—nos vemos derretidos al son de vallenato rebajado, drones de synths ondulantes y alucinaciones de gaita.

“La sabana dibuja un borde entre el agua y el cielo. Un filo tan fino que sirve tanto de inicio como de final, continuidad definitiva de todas las cosas. El tiempo se detiene y el calor crece, los movimientos se ralentizan y los ritmos se evaporan.”

Es muy emocionante poder compartir un mixtape tan auténtico y claro en su intención, ademas de que cuenta con varias pistas inéditas. Con “Frontera Sabanera”, Hipomantis logra someternos a una sensación de calor pegachento y sofocante, con una sed inescapable. Sentimos el brotar de nuestras venas que parecen alcanzar su punto de ebullición, y con este, el evaporar de nuestra existencia.

“Frontera Sabanera” fue grabado en Fundación, Magdalena, el 14 de Abril de 2025.

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La sabana dibuja un borde entre el agua y el cielo. Un filo tan fino que sirve tanto de inicio como de final, continuidad definitiva de todas las cosas. El tiempo se detiene y el calor crece, los movimientos se ralentizan y los ritmos se evaporan. Las montañas han desaparecido y los ríos se han vuelto todos ciénaga. El mundo ahora tiene una sola cara, dentro del barro sigue sonando un tambor y quizás una gaita. Una nueva tierra se sostiene sobre la sabana.

Esta hora de música es mitad selección de sonidos sabaneros colombianos, antiguos y nuevos, todos cargando con si la temporalidad del pantano. La otra mitad son drones improvisados y grabados en medio de este paisaje. El efecto deseado es de calor extremo, de aire cargado y de respiración lenta.

Metiendo un cambio en el ritmo con el que se venía construyendo la SERIE 3, y con esta nueva velocidad corriendo el riesgo de chocarnos de frente con el fin del mundo, les invitamos al asiento de copiloto de un vehículo no-identificado maniobrado con ímpetu por QV.

Resulta difícil no asociar el ángulo y la nitidez de este mixtape con la idea de lo Cyberpunk: aún en la distopía y la opresión tecnológica más absoluta, el baile es de los últimos bastiones de libertad y resistencia de una sociedad colapsada. Versos sintéticos de techno y hardgroove entrelazados de forma quirúrgica y enérgica nos propulsan a través de un paisaje ahogado por máquinas y circuitos.

Y en medio de la inmensidad opresiva de este paisaje, y en medio de la angustia de lo que podría ser el último paisaje que vamos a observar, utilizando el mismo lenguaje de las máquinas QV nos invita a un último baile que nos reconecte con lo más primitivo de nuestra humanidad.

“El Fin Del Futuro” fue grabado en Bogotá D.C. el 22 de Marzo de 2025.

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Si el mundo se va a acabar que sea en el futuro, si ese futuro no es ya hoy, y si no es que el fin ya inició. Y si es que se acaba, que se acabe con un baile, una última ceremonia. Si vienen más mundos, si después del fin hay algo, ojalá en ese algo haya movimiento, un movimiento fértil que crezca y vuelva a engendrar el baile.

El proceso de la grabación y la idea para este set fue seleccionar sonidos profundos y futuristas, y a su vez abstractos y fuera de lo común. Y el hilo conductor que guía toda su narrativa y progresión es un futuro de mucho ritmo y groove.

Tomando el timón de un nuevo episodio en el que se imagina el fin de un mundo, Jongo Sly nos adentra en la perspectiva de un sobreviviente del apocalipsis cuya selección musical realiza una autopsia del deceso planetario y describe las texturas de lo que permanece,

Este mixtape es una mutación paciente de cadencias, oscilando entre el techno, los breaks y atisbos ambientales. Pesado en atmósfera y en el low-end, Jongo Sly nos ofrece una visión del apocalipsis donde la desaceleración y la supervivencia no implican la pérdida del ritmo que nos anima.

“Facing The Void” fue grabado en el norte de Bogotá, el 29 de Abril de 2025.

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Al preparar este set me imaginé siendo el sobreviviente del apocalipsis. Pensé en los sonidos de un post-mortem, llenos de texturas y con aura apocalíptica. También busque hacer una ambientación nutrida de música sin beats, creando una atmósfera que invita a cerrar los ojos e imaginar un desenlace positivo en lo distópico, en lo que podría ser el fin del mundo y su renacimiento.

Veo el fin del mundo moderno como la desaceleración del automóvil, de la velocidad y de los BPMs, pero también es enfrentar la intensidad de la vida sin la tendencia ni el algoritmo.

Al verse enfrentado con el Fin del Mundo, Mateo Palmera nos compartió un ejercicio de ensamblaje que sintetiza su pasión por la música y que funcionaría de despedida para lo que ha sido su trayectoria como melómano, específicamente alrededor del House colombiano.

Con pads sincopados y una dialéctica rítmica entre hats y claps, Mateo nos invita a recorrer sus pasos de descubrimiento dentro del ecosistema sonoro colombiano y a entrar en contacto con la vibración más pura y original entre los sonidos del house y los cantos de fiesta, su inicio y su final.

“+57House” fue grabado en Bogotá, el 28 de Abril de 2025.

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Primero fue la vibración. Antes de que existiera cualquier forma, cualquier sonido definido, estuvo la vibración, la energía que dio origen a todo. Y cuando todo llegue a su fin, cuando las formas desaparezcan y el tiempo mismo se disuelva, será esa vibración lo último que permanezca.

Este mixtape nace como una expresión viva de esa energía. De este emanan ondas sonoras creadas por artistas y productores colombianos que han dejado una huella significativa en mi recorrido. Como melómano tengo un oído demasiado curioso: he pasado años siguiendo la pista de la comunidad latina y me ha fascinado su gran capacidad creativa.

Me conmueve especialmente la producción colombiana que es capaz de resignificar lenguajes musicales para recalcar nuevas esencias, aportando sonidos muy frescos. Con esta selección intento transmitir esa sensación indescriptible que quisiera sentir mientras acontece el fin del mundo escuchando la música que ha sido mi morada, y la que quiero que acompañe mi último aliento.

Cada pista, cada sonido, representa un fragmento de esa sensación al verme enfrentado con el fin inevitable, es el último encuentro con las resonancias y experiencias que han venido construyendo el camino que hoy transito.

Para el octavo episodio de esta temporada recibimos con entusiasmo el mixtape de No.Mads, quien nos ofrece un preludio para el fin del mundo. En su selección la calma cede paulatinamente al desorden sin que se pierda la calidez del refugio donde esperamos el final. La intimidad es poblada por el ruido de las sirenas que viene desde afuera y alerta sobre la aceleración y el caos que se toman el mundo e invaden el último refugio.

A través de transiciones largas que juegan y exageran los loops, la música parece entrelazarse y constituirse alrededor de las sirenas incesantes, que haciendo honor a su título, son protagonistas del mixtape. Y aún como preludio de desfase y angustia frente al fin del mundo, el groove del house y del indie dance no deja de latir en su evolución.

“Entre meteoritos, ruidos y sirenas” fue grabado en Casa Loma, Ibagué, el 720 de Abril de 2032.

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Cuando pienso en el fin del mundo se me viene a la mente mucho ruido, mucho caos. Siento que sonarían muchas cosas al tiempo, entre ellas sirenas, como anunciando que todo se fue al carajo. Cuando pienso en el fin del mundo lo imagino como una lluvia de meteoritos en donde nadie sobrevive, en donde el poder no importa y todos estamos condenados al mismo destino.

Este set es un viaje, empieza desde el despertar de un sueño y el empezar a aimilar la realidad de que el mundo se acaba. Es pasar de estar en casa con el amor y desear un rato más en la cama sin importar nada más, a sentir que la adrenalina sube y todo va más rápido hasta llevarnos al límite: empezamos a sentir que la mente se está “frikeando”.

El viaje termina en donde todo comenzó, en las raíces, en Casa Loma, la casa de mi abuela. Me encuentro conversando con mi Soledad (mi abuela), mi ma y mi hermano, y solo pienso que si el fin del mundo es mañana quiero estar en mi hogar con los que amo.

Si el fin del mundo es mañana quiero decirle a mis amores que los amo. Si escuchan este mensaje recuerden que el fin del mundo puede ser mañana, no se guarden nada.

Con palabras sucintas y una actitud misteriosa, Cacumen nos hizo llegar un mixtape maximalista y sintético que llevado al fin del mundo funcionaría como antesala y bienvenida a una nueva era pos-humana.

Aunque desligados de las limitaciones de sensibilidad y espectro propias del sentir humano, “Colapso” imagina que aún después del final humano, las máquinas relevarán y conservarán nuestra misma fascinación por el bajo denso, la cadencia contundente y los beats quebrados y febriles característicos del drum n’ bass y del technoid.

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La musica ahora solo viaja por cables y ondas imperceptibles para los humanos, quienes ya no existen pero cuyo legado es continuado por maquinas y robots que, siguiendo los mismos impulsos y patrones de sus creadores, manipulan ondas sonoras creando nuevas perturbaciones musicales en el hiperespacio.

Este selección busca compartir unos tracks que he venido trabajando los últimos años, combinándolos con algunos de los tracks que mas me gustan del techstep y technoid colombianos.

Para darle un cierre catártico a nuestra serie de podcasts sobre el Fin del Mundo recibimos a Betty Bloop, quien nos ofrenda una secuencia sonora que imagina y nos guía a través del proceso de duelo de nuestra propia muerte.

Navegando en el espectro del bass y el dubstep norteamericano, el mixtape de Betty oscila entre la tristeza introspectiva de tramitar el fin, reconociendo la belleza de lo que se deja atrás, y los estruendos indiferentes de aceptar su inevitabilidad y querer despedirse sin remordimientos.

“Everything Was Beautiful and Nothing Hurt” es el producto de una especie de visión o sueño.

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What will happen to me when I die? Where will I go? How’s it going to happen to me? To my loved ones? To my brother, to my best friend? I think we fear the unknown, and these question are THE great unknown. 

The end of the world will surely be the end of us and our life as we know it and even though I fucking hate it here sometimes, I am so lucky and grateful to have this life. The fact that we are all here and connecting in the ways we do, through art, and all of it… It’s truly magical. 

If music is the universal language, the idea of creating a mixtape for the end of it is a hell of an undertaking. I knew I wanted this mix to reflect me and my sound palette, but I was also thinking it should be the soundtrack for what The End might be like. Sort of like the stages of grief but for your own death.

First I think I would be afraid, so the mix starts kind of spooky. Then I’d probably be a bit panicked and the music tries to reflect that. One thing about me is I don’t really freak out. I thought to go much harder with industrial sounds to reflect the discomfort of the feeling of impending doom, but I also wanted this mix to be beautiful, even at the scary parts.

Mid way through we have a bit of fun in the mix because I imagine we would reach a point of thinking “fuck it, let’s dance” while trying to remain true to the beautiful sadness of it all. I tend to lean towards somber music or dissonant sounds because they reflect how I feel on the inside, but always in a beautiful way.

The songs kind of tear in and out of each other and I allowed them to play out longer than in some of my other mixes. I wanted the listener to become involved emotionally. Honestly this mix could have been 4 hours. I narrowed it down to the story of acceptance of the inevitable. The end of the mix concludes with what I'd describe as 'hopeful ambience' because at the end of it all I think it will be a beautiful homecoming. 

I feature songs by some of my all time favorites like Eastghost, and G Jones alongside some old favorites and some fresh tracks as well. I really hope you enjoyed this mix, I had a great time making it. Thank you for the opportunity to share my art with you and your audience.